NYC 1950: bitácora de La Habana

NYC 1950: bitácora de La Habana, serie del fotógrafo cubano Juan Manuel Cruz del Cueto, viene a visibilizar en el contexto artístico cubano un espacio cargado de una connotación política. La ciudad estadounidense se nos revela, más allá de  las esquemáticas visiones de que ha sido objeto en el contexto caribeño, como un espacio cultural por excelencia. Lo cierto es que la recepción de dicha serie pudiera ser compleja, incluso problematizadora; pero ahí radica uno de sus valores: poner en tela de juicio estructuras del conocimiento preestablecidas y con un movimiento pendular, moverse entre las dos aguas, sin la necesidad de enfatizar en cuestiones de índole política.

El artista nos propone jugar con los conceptos de globalización de la cultura, con la idea de lo transnacional, pues subyace un discurso de la necesidad que persiste en el arte contemporáneo de Latinoamérica y el Caribe de olvidarse de la neurosis de la identidad que tanto tiempo han perseguido o tratado rescatar las culturas de los países subdesarrollados, en su intento por no perder lo más autóctono. Este aspecto, que fue esencial en la primera mitad del siglo XX, ha quedado diluido en la presente muestra, ya que si bien se advierte un deseo de visibilización de lo cubano, el fotógrafo lo hace partiendo del referente norteamericano.

NYC Serie

New York Herald Tribune. 80×60 cm. Fotografía digital

De esta forma el artista maneja ideas como lo tuyo/ lo mío, centro/periferia, dentro/fuera, etc., con una visión estructuralista que muy bien le sirve a este discurso, pues aunque de alguna manera ya ha sido rebasada por la teoría, resulta muy oportuna para explicar el fenómeno de la colonización. El creador detecta dónde opera el par binario y hace visible la estructura profunda y represiva que esconden las relaciones de poder. Sin embargo, no niega al otro para la afirmación del yo, sino que el otro viene a complementar una cultura nacional, sin que ello suponga una penetración cultural forzada que atente contra nuestra identidad; sino que, en un proceso de antropofagia, la hemos devorado, digerido e incorporado a nuestro sistema cultural. De ahí que el artista no intente invertir la balanza -lo que supondría la reiteración de un discurso estructuralista de poder-, sino que prefiere poner a dialogar sus componentes de una forma más desprejuiciada.

Defiende así un criterio de legitimidad artística de una forma diferente a como lo hicieron nuestros artistas de la vanguardia, ya sea cubana o latinoamericana; pues no se rescata la iconografía de carga estereotipada con la que han podido ser entendidas las culturas de Latinoamérica, sino que el artista se vale de analogías y de un discurso inclusivista que no excluye al otro para garantizar la autolegitimación. Por el contrario, se reconoce en ese otro ya no el modelo “impuesto”, de “copia y pega”, sino que se pretende demostrar la simultaneidad temporal de dos culturas que por su cualidad políglota fueron capaces de dialogar e intercambiar información a través de una frontera sumamente flexible.

Dicha frontera se ha visto cada vez más dilatada debido a la creciente globalización, de ahí que el fotógrafo se apropie, desde los títulos de sus piezas, de determinados topos para anclar ambas culturas. La topologización en este caso viene dada por la recurrencia en el nivel lingüístico de la obra -léase el título- de determinados topos o signos ya estereotipados; pero a nivel visual se fractura dicha topologización, ya que lo que se aprecia no es realmente el edificio/lugar citado, sino lo que para el artista fuera su contraparte en Cuba.

NYC Serie

China Town. 80×60 cm. Fotografía digital

De todo ello se deriva la importancia del título de las obras como mecanismo de anclaje con el referente; es el elemento lingüístico constitutivo que permite establecer conexiones y entretejer un discurso afirmativo de la cultura cubana. Las piezas devienen entonces bisagras temporales que con gran flexibilidad ofrecen una manera diferente de vernos, de repensarnos, ya no desde la posición del dependiente o subdesarrollado, sino que se trata de reenfocar esta polaridad en virtud de una autorrecolocación, ahora desde la mirada del que ha sido historiado y no del tradicional historiador occidental. Revisita así la temática identitaria cada vez más flexible, en tanto somos cada vez más multiculturales, porque al fin de cuentas… ¿dónde empieza la definición del otro y dónde empiezo yo? ¿Cuán rígida es esa frontera? ¿Cuán válido resulta acentuar cada vez más las diferencias cuando el mundo marcha por el camino opuesto, el de las interconexiones y las multipolaridades?

Ciertamente pudiera resultar improcedente en nuestra contemporaneidad visibilizar a Cuba solo desde sus clichés y estereotipos -que también la identifican-. Por ello el creador apuesta por una fotografía contemporánea cargada de un espíritu crítico, de corte más existencial, que trata de desprenderse de lecturas politizadas. El impacto que pretende generar va cargado de cierta frivolidad o cinismo, característica esta que se va acentuando cada vez más en el arte contemporáneo.

El fotógrafo pone en el mainstream del arte una problemática ancestral vista en esta ocasión desde la fotografía de la arquitectura y ambientes. Si bien trabaja con un alto nivel de iconicidad a partir de la representación de signos icónicos de la arquitectura cubana, explota el recurso de la ambigüedad dado a través del título, lo que genera en el receptor una especie de extrañeza al fracturar la comunicación entre el texto visual y el texto lingüístico. Entonces dicho receptor se ve obligado a llenar de sentido la obra, a cubrir esas elipsis espaciales establecidas entre el referente visual –arquitectura- y el referente lingüístico -títulos de las obras- Precisamente en el completamiento de dichas zonas de indeterminación es que las obras se activan y exigen del receptor una concreción estética que las actualice una y otra vez.

NYC Serie

New York City Central Station. 80×60 cm. Fotografía digital

Por otro lado, los títulos de las piezas para nada gratuitamente han sido expresados en idioma inglés, sino que vienen acentuar esa ambigüedad dada a través de dicho texto lingüístico. Lo cierto es que el arte, en su capacidad de liberar a los objetos de su canon habitual da una sensación del objeto como visión y no como reconocimiento. En esta muestra precisamente se fractura el reconocimiento del objeto, debido a que ha sido nombrado con otro calificativo y no con el que se le reconoce habitualmente.

En este sentido NYC… cumple con esa función inequívoca del arte de desfamiliarizar la relación entre obra y realidad, de poner en jaque mate al receptor para que tenga este que repensar el valor de lo que le rodea, refrescar y actualizar su mirada. Y eso es lo que busca precisamente el artista: los cubanos también tienen un Brooklyn Bridge, un China Town, un Central Park, un World Trade Center, una Estatua de la Libertad y deben ser capaces de admirarlos con la misma intensidad con que aprecian los citados íconos de la arquitectura estadounidense.

El artista insiste en una labor de reciclaje continuo, irreverente y promiscuo, a la par que revaloriza su fotografía, la cual no por bidimensional y deudora de la modernidad, deja de ser postmoderna. Por el contrario, su quehacer es sintomático del discurso conceptual que subyace en cada una de las piezas, y que en última instancia viene a ser leída como un gran texto que intenta rellenar esos vacíos culturales que han sido cubiertos anteriormente por las esferas del poder, tanto de una cultura como de la otra.

Dicho espíritu postmoderno con que el artista se acerca a la fotografía se ve reforzado por el empleo de determinados tropos -metáfora, metonimia- para designar algo que nunca anteriormente han designado. Por lo que hablamos de un artista que produce sentido, que no solo se interesa por el cuidado estético del objeto artístico per se, sino que tiene la intención explícita de comunicar.


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